{"id":2222,"date":"2010-08-05T07:56:52","date_gmt":"2010-08-05T05:56:52","guid":{"rendered":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/?p=2222"},"modified":"2020-06-10T16:43:15","modified_gmt":"2020-06-10T14:43:15","slug":"les-nympheas-bleus-de-claude-monet","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/2010\/08\/les-nympheas-bleus-de-claude-monet\/","title":{"rendered":"Les Nymph\u00e9as bleus de Claude Monet"},"content":{"rendered":"
\"nymph\u00e9as\"<\/a>

Les nymph\u00e9as bleus de Claude Monet – Mus\u00e9e d’Orsay<\/p><\/div>\n

Glissement du regard sur l\u2019eau<\/span><\/h2>\n

\u00ab\u00a0Je suis compl\u00e8tement absorb\u00e9 par le travail. Ces paysages d\u2019eau et de reflets sont devenus une obsession.\u00a0\u00bb, existe-t-il une plus belle confession de Claude Monet sur son travail \u00e0 Giverny.<\/p>\n

De l\u2019autre c\u00f4t\u00e9 de Giverny, les apparences se prennent pour des r\u00e9alit\u00e9s. L\u2019obliquit\u00e9 flottante des nymph\u00e9as et la verticalit\u00e9 refl\u00e9t\u00e9e des saules pleureurs se croisent, s\u2019entrem\u00ealent puis se noient l\u2019un dans l\u2019autre. Miroitement fig\u00e9, d\u00e9grad\u00e9 de bleus, formes allusives, le temps s\u2019\u00e9vanouit \u00e0 la surface des profondeurs. Comment la composition unit-elle eau et reflet\u00a0?<\/p>\n

Ann\u00e9e : 1916-19<\/p>\n

Dimensions: 2 m x 2 m<\/p>\n

Sujet<\/span>
\n<\/strong><\/h2>\n

“Parterre d’eau” et “parterre c\u00e9leste” selon les termes de Marcel Proust, le bassin aux nymph\u00e9as que Monet am\u00e9nage \u00e0 partir 1890 dans sa propri\u00e9t\u00e9 de Giverny deviendra le th\u00e8me de la derni\u00e8re “s\u00e9rie” des paysages qui l’occupera jusqu’\u00e0 sa mort en 1926. Le terme de “nymph\u00e9a” est le terme scientifique du n\u00e9nuphar blanc que Monet faisait pousser avec d’autres plantes aquatiques dans son “jardin d’eau” bord\u00e9 de roseaux, de saules pleureurs et de glycines. Universellement connue, la s\u00e9rie des “nymph\u00e9as” est indissociable du nom de l’artiste et r\u00e9sume ses ultimes recherches sur la repr\u00e9sentation de la r\u00e9alit\u00e9 objective de la lumi\u00e8re, de l’espace et de la couleur alors qu’il est en butte aux atteintes de la cataracte.<\/p>\n

Cette grande toile de la derni\u00e8re p\u00e9riode de Monet est comme l\u2019aboutissement d\u2019une \u0153uvre enti\u00e8re\u00a0; ce qui dans les Nymph\u00e9as<\/em> avait \u00e9t\u00e9 l’ agent conducteur de la recherche,\u00a0le glissement sur l\u2019eau et le miroitement de la lumi\u00e8re, tend ici \u00e0 dispara\u00eetre. Le tableau semble s\u2019immobiliser et les deux surfaces, celle de l\u2019eau et de son reflet, se rejoindre dans la surface m\u00eame de la peinture. Nous sommes l\u00e0 tr\u00e8s pr\u00e8s du passage qui va s\u2019op\u00e9rer pendant ce si\u00e8cle, ou la surface du tableau va devenir le lieu de la recherche des peintres et donner naissance \u00e0 l’abstraction.<\/p>\n

L\u2019impressionnisme a l\u00e0 presque disparu, ce qu\u2019il en reste est du domaine du travail du pinceau, de la touche<\/a>.<\/p>\n

Le tableau est totalement unifi\u00e9, et se limite \u00e0 ses bord si l\u2019on peut dire, bords tr\u00e8s pr\u00e9sents puisque Monet les a laiss\u00e9s blancs par endroit\u00a0; et ce\u00a0\u00ab\u00a0limit\u00e9 \u00e0 lui-m\u00eame\u00a0\u00bb donne au tableau un caract\u00e8re contradictoire d\u2019illimit\u00e9, c\u2019est le temps suspendu<\/p>\n

 <\/p>\n

Composition<\/strong><\/span><\/h2>\n

Cette toile de grandes dimensions et de format carr\u00e9 r\u00e9pond aux ambitions d\u00e9coratives de l’artiste et pr\u00e9figure l’ultime d\u00e9coration de peintre, les Nymph\u00e9as<\/em> de l’Orangerie de Paris.<\/p>\n

Y a t il encore une composition<\/a> dans ce tableau ou plus rien ne bouge et ou l\u2019espace en profondeur semble dispara\u00eetre\u00a0; il serait plus juste de dire qu\u2019il est travaill\u00e9 en zones car si les fleurs sont vues obliquement le reflet des branches de saule pleureur sont verticales ce qui fait que les deux surfaces tendent \u00e0 se couper au centre du tableau comme si cette diff\u00e9rence entre reflet et objet r\u00e9el voulait une derni\u00e8re fois s\u2019identifier, avant que ces deux surfaces ne se noient l\u2019une dans l\u2019autre.<\/p>\n

Il n\u2019en demeure pas moins que la structure du tableau est appuy\u00e9e sur une verticale et une horizontale dont le dynamisme persiste \u00e0 travers le travail de peinture qui tend \u00e0 estomper la repr\u00e9sentation. La diagonale \u00e9tant accord\u00e9e au regard, elle n\u2019existe que lorsque visuellement l\u2019\u0153il distingue les deux plans de la surface de l\u2019eau et du reflet. A cet instant du regard les deux \u00e9l\u00e9ments se s\u00e9parent et le tableau rejoint toute l\u2019histoire des Nymph\u00e9as <\/em>depuis le d\u00e9but, mais cet instant n\u2019est qu\u2019un instant, le tableau r\u00e9appara\u00eet comme une surface de peinture et dispara\u00eet comme profondeur. Il y a donc un va et vient de la perception qui passe de la peinture \u00e0 la repr\u00e9sentation, et de la repr\u00e9sentation \u00e0 la peinture, Monet semble vouloir nous faire traverser un miroir, \u00e0 cette \u00e9poque commence la peinture abstraite; la surface du tableau devient le lieu de l\u2019exp\u00e9rience.<\/p>\n

La surface de la toile se confond avec la surface de l’eau et l’objet r\u00e9el (les branches de saules) avec son reflet.<\/p>\n

 <\/p>\n

Couleur, lumi\u00e8re<\/strong><\/span><\/h2>\n

C\u2019est par la mani\u00e8re m\u00eame de travailler que Monet produit ce va et vient du regard, la touche qui depuis 1869-70 a pris une place centrale dans sa peinture dans la mesure o\u00f9 elle est l\u2019instrument de r\u00e9alisation de ce jeu du reflet\u00a0 et de lumi\u00e8re bas\u00e9 sur le miroitement, est ici l\u2019\u00e9l\u00e9ment central\u00a0; c\u2019est elle qui fait miroiter la lumi\u00e8re<\/a> de ce tableau, mais peut-on encore dire qu\u2019il y a ici une\u00a0 lumi\u00e8re, il serait plus juste de parler d\u2019ambiance bleue, ce bleu p\u00e9n\u00e8tre dans le regard et c\u2019est lui qui s\u2019impose plus qu\u2019une lumi\u00e8re. Monet fait vibrer son tableau en jouant sur un certain nombre de couleurs limit\u00e9es et sur les petits espaces de toile laiss\u00e9s blancs\u00a0; il m\u00eale \u00e0 son bleu des carmins et des vermillons, un peu de jaune et d\u2019orang\u00e9 dans le c\u0153ur des fleurs, un peu de bruns dans certains endroits bien pr\u00e9cis et c\u2019est tout, la base de coloris reste le bleu et le vert en deux tonalit\u00e9s\u00a0; celle des feuilles de nymph\u00e9as et celle du reflet des branches de saule pleureur.<\/p>\n

Ce tableau est bas\u00e9 sur un effet de bichromie (seulement deux couleurs, le bleu et le vert) ponctu\u00e9e par quelques touches de blanc, carmin et ocre pour les nymph\u00e9as.<\/p>\n

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Mati\u00e8re, forme<\/strong><\/span><\/h2>\n

L\u2019\u00e9quilibre entre la repr\u00e9sentation et la peinture s\u2019est transform\u00e9 dans ce tableau, c\u2019est sans doute la raison pour laquelle Monet a donn\u00e9 cet aspect tr\u00e8s mat et tr\u00e8s \u00ab\u00a0peint\u00a0\u00bb \u00e0 la mati\u00e8re de sa touche. Il y a dans sa d\u00e9marche de cette \u00e9poque la continuation des inspirations des post-impressionnistes et surtout des nabis tendant \u00e0 restituer \u00e0 la peinture son r\u00f4le d\u00e9coratif, ou plut\u00f4t \u00e0 restituer \u00e0 la peinture sa dimension d\u00e9corative; la touche est d’une extr\u00eame libert\u00e9 et semble tr\u00e8s rapide, elle a pour but de capter un effet de couleurs et de lumi\u00e8re \u00e0 un instant pr\u00e9cis et de donner une image de notre perception du r\u00e9el dans l’espace et le temps. Comme l’espace se confond avec la surface de la toile, le temps est aboli par une op\u00e9ration esth\u00e9tique.<\/p>\n

Les formes sont allusives, ce ne sont que des invocations de la r\u00e9alit\u00e9 objective. Avec Monet, l’impressionnisme ouvre la voie aux recherches de la peinture moderne.<\/p>\n

Pour aller plus loin dans la compr\u00e9hension de ce tableau.<\/a><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"

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Suite →<\/a><\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":[],"categories":[245,158],"tags":[],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2222"}],"collection":[{"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=2222"}],"version-history":[{"count":6,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2222\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":13602,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2222\/revisions\/13602"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=2222"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=2222"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/mieux-se-connaitre.com\/wp4\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=2222"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}